Pantera - Vulgar Display of Power (1992)

...porque yo también puedo hacer buenas elecciones musicales para follar como es debido.









(link de descarga en comentarios)

Anathema - Eternity (1996)

Suele decirse que las tres mejores bandas de doom metal de los años '90 son My Dying Bride, Paradise Lost y Anathema. Las tres son británicas, al igual que Radiohead, Coldplay y varios otros grupos dedicados a ennoblecer artísticamente la depresión y la nula necesidad de permanecer en este triste mundo.
Debe ser cierto eso de que el clima inglés es deprimente.
(Sé que me van a decir que no todos los ingleses andan deprimidos. O sea, están Monty Python, Benny Hill, el Doctor Who y hasta ese engendro del demonio llamado Mr. Bean. Pero no se confundan. Todos ellos fueron concebidos por el MI5 como estrategias para evitar un suicidio colectivo en la tierra del Old England Toffee.)
La cosa es que Anathema eran conocidos y aplaudidos por legiones (bueno, quizá no eran tantos) de metaleros adictos al prozac o a la fluoxetina, chascones con vidas grises y serias carencias afecivas. Asumo que la mayoría de ellos eran ingleses con vidas marcadas por such an awful weather. Con su tercer disco, sin embargo, Anathema dejó un poco de lado a sus alegres seguidores y decidió ir más allá del doom metal. O más acá. Decidieron decantarse por un rock melódico - pero no por eso menos triste - que resultó adaptarse mucho mejor a la voz quebradiza y melancólica de Vincent Cavanagh (quien, en todo caso, se acerca bastante al pasado en Suicide Veil). Al final, la calidad de Eternity superó con mucho la de los experimentos electrónicos de Paradise Lost - ambas bandas dejaron a My Dying Bride como los reyes absolutos del doom -, y a estas alturas es considerado por muchos el mejor disco de Anathema.
Los hermanitos Cavanagh (Daniel es el guitarrista, hace poco sacó un muy buen disco de covers de Nick Drake, como para seguir con lo de la depresión) han seguido explorando y cada disco que sacan es celebrado por sus fans. Kerrang los nombró la segunda mejor banda salida de Liverpool. No sé si ese juicio sea realmente racional o puro entusiasmo al oirlos. No importa. Algunos los comparan con Pink Floyd (no es para menos, teniendo en cuenta que suelen terminar sus conciertos con una versión groseramente buena de Confortably Numb), otros con Radiohead. Otros - los más hueones, como siempre - siguen llorando porque Anathema ya no toca doom metal. Al final las comparaciones siempre son una mierda, sobre todo porque Anathema es una banda única, con una evolución única y una tristeza única. Una tristeza esperanzadora.


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AllMusic
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Video de Hope (dailymotion)

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Richard Hell & the Voidoids - Blank Generation (1977)

Mediados de los 60s. Un niño, de nombre Richard Meyer, sescapa del colegio en Delaware, con su amigo y compañero Tom Miller. No se van a un boliche a hacerle la cimarra a las clases. Parten rumbo a NY, a hacerle la cimarra a la vida. En el camino, Tom se cambia el apellido a Verlaine. Richard, a Hell. En NY, Hell prueba suerte como poeta. Autoedita revistas y libros bajo su propia editorial. Tiene suerte. Con tan solo 20 años, sus poemas son publicados en la Rolling Stone y otras revistas. En 1969, ambos fundan una banda, los Neon Boys. 4 años después, sacan un single. Se dice ques la primera canción punk. Por lo menosi obviamos a los Saicos. En escena, Hell usaba los pelos parados y la ropa rota, con unos cuantos imperdibles intentando mantenerla en su lugar, una indumentaria nuncantes vista. Se cambian el nombre a Television. Conversan con el dueño de un bar. Le preguntan por qué norganizamos una serie de tocatas para que las bandas de rock locales tengan un espacio para tocar. El dueño dice que bueno. Las tocatas se vuelven rutinarias. El bar se llama CBGB. Verlaine y Hell se pelean. La banda se separa. Hell toca con Johnny Thunder —ex NY Doll— por un año. Luego se arma su propia banda: Richard Hell & the Voidoids. La formación incluye a Robert Quine —quizás el guitarrista más talentoso del punk, compite con Verlaine— y al futuro Marky Ramone. Por esos tiempos, Malcom Mclaren —titiritero de profesión— está de paseo por NY. Entra al CBGB. Ve a Hell, con sus pelos parados y sus jirones de ropa y su banda, tocando una canción llamada Blank Generation. Esto me gusta, se dice. Vablar con la banda. Les ofrece ser su manager. Lo mandan al carajo. Mclaren se regresa con el rabo entre las piernas a UK. Allá forma una banda. Les para los pelos. Los viste con jirones sujetados con imperdibles. Les dice que toquen algo como Blank Generation. El resultado: los Sex Pistols y su single, Pretty Vacant. Al otro lado del océano, los Voidoidse separan. A principio de los 90s, Hell forma una banda con Thurston Moore y Steve Shelley de Sonic Youth, Don Fleming de los Gumballs, y Robert Quine. Sacan un disco y un EP, homónimos de la banda: Dim Stars. En la segunda mitad de la última década del siglo pasado, publicó una novela. Luego una colección de textos cortos. El 2005 publicó su segunda novela. Tuvo una relación —y una hija— con Patty Smyth, líder de la banda Scandal. Por su parte, Verlaine tuvo una relación —sin consecuencias— con Patty Smith, la mera mera. Ambos, Verlaine y Hell, son unos bakanes. Ya no están peleados.

Richard Hell en Wikipedia (En inglés).
Tom Verlaine en Wikipedia (En inglés).
Robert Quine en Wikipedia (En inglés).
Lester Bangs hablando sobre su amigo Robert Quine y otras cosas (En inglés).
Robert Quine hablando sobre su amigo Lester Bangs y otras cosas (En Inglés).
Video de Richard Hell & the Voidoids tocando Blank Generation y Love Comes In en vivo, en Youtube.
Video de Thurston Moore (Sonic Youth) —con su colección de vinilos— contando cuando conoció a Mike Watt (Stooges, entre otros) y le contó su experiencia en las tocatas de los Voidoids, en Youtube (En inglés).

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Godspeed You! Black Emperor - f#a#∞ (1998)

Éste fue el primer disco de Godspeed que escuché. Me lo pasó un tipo un tipo que tenía orden judicial de asistir a terapia psiquiátrica, un hijo al que apenas podía ver, y una banda conformada por él, su guitarra con manchas de sangre en las cuerdas y un teclado Casio blanco de juguete. En realidad no me lo pasó, me lo vendió. Todos los sábados iba a un cybercafé donde se pasaba toda la mañana bajando música y pasándola a cds para después venderla.
Además era fanático de las Chicas Superpoderosas y de Douglas Copland, y tenía ataques de pánico escénico cuando le tocaba hablar en las pocas clases a las que asistía (les recuerdo que el tipo tenía -y aún tiene- una banda). En todo caso, Hache me contó el otro día que al tipo éste le va bastante bien últimamente.
La cosa es que esa tarde llegué a la pieza húmeda y sucia que llamaba casa (ahora vivo en otra pieza seca y sucia), puse el cd en el discman y me tiré en la cama.

The car's on fire and there's no driver at the wheel and the sewers are all muddied with a thousand lonely suicides and a dark wind blows...

Al rato empieza una música de violines. Suspiré y pensé esto explica muchas cosas.
Cinco años después, sigo considerando este disco uno de los más increíbles que he escuchado.
Lo cual también explica muchas cosas.

Gracias por el disco, Calostro.

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My Bloody Valentine - Loveless (1992)

White noise. Es el nombre con el que se denomina el sonido de bandas My Bloody Valentine y The Jesus & Mary Chain para contrastarlos con el sonido noise a secas de bandas como Sonic Youth —en sus primeros discos— y Pussy Galore. La diferencia básica es quel white noise es más melódico quel noise a secas —completamente caótico y sucio—. Melódico es un eufemismo para decir pop. Porque todo melómano —y con melómano quiero decir todo aquel que se toma la música en serio: desdel quescucha tan solo música docta, hasta el metalero o punkie más fundamentalista— es un sine nobilitia. Y como tal, prefiere morirse antes que asociar el pop a sus gustos musicales. Porquel pop es malo. Así lo dicta la etiqueta musical. Por eso, se usa el apellido melódico para cualquier incursión de un estilo musical al pop. Porque hay una reputación que conservar.
Ahora, el pop es el artificio de otorgarle digestividad a una obra. Como todo artificio, se puede utilizar como un elemento o como la razón de ser de la obra. Esto último es el pop a secas. El problema en el que cae frecuentemente este tipo de música —y ques la razón de la asociación pop = música mala— es que se sobredigiere la música, de manera quel público es tratado como las mamás pájaro tratan a sus pichones. La razón por la que le va tan bien, es porque a la gran mayoría de la gente le gusta que la traten como pichones. Lo mismo suceden todas las artes. Si viene digerido de antemano, mejor. Por eso Paulo Coelho o Isabel Allenden literatura, o esas obras plásticas a las que le cuelgan un cartelito quexplica questa obra quierexpresar la desigualdad de género mediante la deconstrucción de la figura humana y por eso esto es así y eso es asá questán tan de moda. Cuando se muele la comida en exceso, más que papilla, parece diarrea. Pero no todo el pop a secas es necesariamente así. Sin embargo, siempre me ha parecido más atractivo cuando los artificioson utilizados como elementos, pues denota másutileza.
En fin. My Bloody Valentine hace noise. Pero en clave pop. Es decir, siguen explorando la disonancia de los acordes y los efectos con los que se pueden modificar losonidos de sus instrumentos, pero evitando resultar agresivos sinó, más bien, seductores. Si dijéramos quel noise es un golpe, el efecto del noise a secasería como el de una paliza callejera, mientras quel del white noise sería como los de un masaje placentero, que relajal auditor y lo deja como si estuviera flotando en medio de la nada. Estefecto, potenciado por las letras —eróticamentetéreas—, hacen quel white noise sea, en mi opinión, una de las mejores elecciones musicales si lo que se quieres follar como es debido.

My Bloody Valentine en Wikipedia (En Inglés).
Video de Only Shallow en Youtube —en el quel batero está disfrazado como avecilla de la Fuerza G, cuando andaba de civil por la vida—.

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Alice in Chains - Dirt (1992)

UNO La review anterior de Hache me parece muy buena y no me voy a dar la paja de intentar igualar su irónica seriedad o su interesante postura despreocupada pero al mismo tiempo musicalmente moralizante. A la mierda.
DOS El jueves estaba tan borracho que me dieron ganas de vomitar en pleno bar. Luego de ir al baño y no vomitar pero sentirme mejor, mi cabeza (que creía estar lúcida sin estarlo) supo que lo que debía hacer era huír y caminar mucho rato. Desperté horas después sentado en una banca de parque.
TRES Desde entonces no he probado una gota de alcohol pero me he tomado al menos seis o siete litros de café y las ganas de vomitar han vuelto para quedarse. Quizá esa pizza con bordes verdosos que me vendieron en el almacén también tenga algo que ver. Si hubiese sabido antes que los alimentos en descomposición provocan efectos similares al alcohol y la marihuana en dosis moderadas no usaría el refrigerador. Moho alucinógeno, yummy (todo esto para justificar lo malo de este texto).
CUATRO Descubrí a Alice in Chains demasaido tarde. Bueno, en realidad nunca es tarde si la depresión es buena. ¿Dije depresión? No, perdón, quise decir dicha. Sí, eso. La cosa es que debo haberlos escuchado antes, pero nunca les puse verdadera atención hasta... creo que unos cuatro años atrás. Quizá algo tenga que ver mi adolescente y después no-tan-adolescente intoxicación de metal (black, para ser más específico), que tuvo como efecto secundario una leve ceguera a casi cualquier otro tipo de música, a pesar de haber sido y seguir siendo un fanático de Nirvana.
CINCO Aunque quizá no haya sido tan malo conocerlos después. Si lo hubiese hecho a los 14 o 15 años, mis probabilidades de suicidio se habrían multiplicado exponencialmente. Quiero decir que posiblemente estaría muerto. Pensar en un Layne Staley flaquísimo, decadente, cagándose en los pantalones por la inoperatividad de su intestino producida por su adicción al speedball producida por su depresión producida por la muerte de su novia (creo que ya hablé de eso en alguna parte...) cantando loneliness is not a phase es lo suficientemente emo como para inducir a cualquier pelotudo con un mínimo de odio contra su propia vida a hacer lo necesario. Agregándole eso a mi ya considerablemente grande odio por el mundo y sus alrededores allá por mediados de los '90, vaya, hasta podría haberlo hecho. Bueh, nunca pasó, y a estas alturas ya estoy muy viejo como para creer de verdad que soy un maldito y suicidarme. O sea, la vida siempre tiene algo maravilloso que ofrecerte a la vuelta de la esquina y toda esa hueá. Yippy-yippy-yay.
SEIS Ah, la adolescencia. Qué recuerdos. Se me cae una lagrimita de pura nostalgia. Dicen que todo tiempo pasado fue mejor.
SIETE Igual este disco no es pura autoevaluación y posterior depresión e incitación al suicidio. También están las otras canciones cuyas letras hablan de que el mundo es una mierda y ojalá no tuviésemos que vivir en él.
OCHO Voy a hacerme otra taza de café y sigo con esta hueá.
NUEVE Volví. ¿En qué iba? Ah, Alice in Chains. Bueno, es poco más lo que tengo que decir. El Unplugged es increíble. En realidad todos los discos de AiC lo son, pero éste que presento ahora se pasa. Más allá de la mierda emo-suicida que escupí antes, la voz de Staley, la combinación con la voz de Cantrell, las guitarras de éste último - se nota que es bastante menos punk que el resto de los guitarristas de grunge, y estoy usando punk en el mal sentido de la palabra -, en fin, la banda es buenísima. Me pregunto qué tal será el supuesto disco nuevo que quieren sacar ahora. ¿Podrán con el fantasma de Staley? De todas formas los groupies más fanáticos los van a odiar. Bleh.
DIEZ ¿Sabían que le estoy robando el formato a algunas de las columnas para Página 12 que escribe Rodrigo Fresán? Por supuesto que lo sabían, si los pocos hueones que leen este blog son todos amigos míos y todos han leído a Fresán antes, algunos incluso antes que yo. Pero igual pongo el link. Debe ser que algunos de esos amigos tienen razón y en lugar de ser un ente demasiado sensible y altamente depresivo que se odia a si mismo porque así es más cómodo soy un hueón inmaduro con el ego del porte de un buque que necesita que todo el mundo le esté prestando atención a cada momento y por eso asumo que me va a leer más gente, seguro que me va a leer más gente y a todos les va a encantar. Ja. Al menos el disfraz es bastante convincente. O sea, hasta tengo cicatrices y tal. Es un apostolado.
ONCE Acabo de sentir ganas de tomar el tarro con Zippo's Premium Lighter Fluid (a.k.a. bencina blanca con marca registrada), rociar algo y luego prenderle fuego. Hendrix usó uno parecido para quemar su guitarra en Monterey y fue portada de la Rolling Stone. Yo podría salir en un cuadradito de la contratapa de LUN, ja. Por supuesto, no lo voy a hacer. Alguien decidió llamar sentido común a la cobardía cotidiana y ahora todos somos felices usando nuestro sentido común cada vez que podemos. Viva el sentido común. Estoy empezando a recordarme en mi adolescencia, ja.
DOCE Está claro que, aparte de Staley, los demás integrantes de Alice in Chains eran bastante cuerdos (no por eso menos geniales, sobre todo en el caso de Cantrell) y sus vidas eran bastante estables. Si no lo creen, miren sus caras en el Unplugged. ¿Ven? Gente normal. Pero así es como debe ser. No es que la locura y el malditismo deban ser privilegio de unos pocos hueones cagados, es que cuando se juntan puros malditos la cosa no funciona. Todas las buenas ideas se pierden en borracheras o fumatones y al final no te das ni cuenta cuando a) estás muerto, b) estás en un psiquiátrico o c) tienes 40 años, una esposa, hijos, perro, casa propia, trabajo estable, dieta saludable, calvicie incipiente y ni el más mínimo rastro de tu juventud en el cuerpo. La gente cuerda es la que toma las ideas amorfas e irrealizables de los loquitos y las convierte en cuerpos físicos estables. En el caso de AiC, discos que los volvieron millonarios.
TRECE Pero, en realidad, qué voy a saber yo (o ustedes) de locura o buenas ideas que nunca se realizan, ¿no?


Alice in Chains en Wikipedia y AllMusic
Videos de Them Bones, Rooster, Down in a Hole y Would? en dailymotion (carga más lento que YouTube pero la calidad es mejor)
Video de Angry Chair en YouTube

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Spacemen 3 - Taking Drugs to Make Music to Take Drugs to (1990)

El shoegazes la manera en que se reinterpretó la música psicódelica y hippie, desde un contexto postpunk. Es decir, toma de lo primero la forma musical, que busca más la generación de un ambiente contemplativo que una progresión en sus temas; mientras que de lo segundo toma la exploración en el sonido y en las maneras en que se pueden utilizar los instrumentos, heredada de la estética punk —sobretodo aquella parte del punk que mejor se nutrió del minimalismo de la Velvet Underground, proveniente a su vez de La Monte Young, que lo tomó de John Cage, quien lo desarrolló a partir de los postulados estéticos que yacían inmanentes en la música de Erik Satie, de quien Bretón dijo que, pese a quel surrealismo repudiaba la música, su música era surrealista, y yo creo que lo dijo porque, mientras todos los músicos de la época componían para una burguesía sentada en los palcos de una cámara de concierto, Satie tocaba en cabarets y vodeviles, no para que su música fuera el centro de atención del público para que luego lo aplaudieran y lo congratularan y lo premiaran y poder vivir de socialitén socialité, sinó para pasar desapercibido y propiciar con su música un ambiente perfecto para que los borrachos que pululaban por elugar se sintieran cómodos mientras hacían todo eso que la gente vacer cuando va a un cabaret—.
El título deste disco —una colección de demos y B-Sides del Sound of Confusion (1986), primer disco de la banda— es una suerte de ars poética quexplica muy bien el origen, el método y fin hacia el que apunta el shoegaze. Spacemen 3 son los padres del shoegaze. En vez de realizar supermegaconciertos pirotécnicos para que los aplaudieran y los congratularan y los premiaran y poder vivir como rockstars por el resto de su vida, los Spacemen 3 se sentaban en el suelo —con un espectáculo lumínico barato pero efectivo— para pasar desapercibidos y propiciar con su música un ambiente perfecto para que todos los narcófilos que pululaban por el lugar se sintieran cómodos mientras hacían todo eso que la gente vacer cuando va a un concierto shoegaze. El espíritu de Satie sigue vivo.

Myspace de Spacemen 3.
Spacemen 3 en Wikipedia (En Inglés).

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Enslaved - Isa (2004)

Once upon a time...
Se termina el ataque sobre una villa inglesa. Cinco vikingos cargan su barco con todos los objetos de valor que pudieron encontrar, provisiones para un viaje largo y un montón de discos.
Ya en alta mar, revisan la música que han traído. Deciden poner In the Court of the Crimson King en la radio del barco. Les cuesta un poco remar al ritmo de Fripp y cía., así que revisan las provisiones y encuentran unos hongos mágicos.
Reman y reman escuchando King Crimson y elevándose a metros del Mar del Norte. Entre las nubes rojas se pasean dragones de colores perseguidos por héroes de óperas decimonónicas. Las auroras boreales se meten dentro de los cerebros de los alegres vikingos y les muestran un arcoiris muy especial, el Bifrost, el camino al Valhalla, donde los dioses y los guerreros beben y se vuelan fumando pitos hechos con hojas del mismísimo Yggdrasill y con los frutos extraños que trae la bella Iðun en su cesta, debajo de las manzanas de la eterna juventud. Todos esperando un Ragnarök que quién sabe cuándo llegará, pero mejor asegurémonos de estar bien volados cuando llegue.
De pronto los vikingos miran hacia abajo y ven las olas a kilómetros de distancia. No se preocupan. Es normal volar tan alto cuando viajas en un barco cuyos remos terminan en alas.
Al rato se desata la tormenta. Da lo mismo. Las marejadas amenazantes hunden Titanics allá abajo. Aquí arriba los truenos vienen con surround y los relámpagos parecen túneles de luz. Y las cosquillas de la electricidad pasando por sus cuerpos y quemándoles los huesos sólo les provocan ataques de risa.
Cuando abren los ojos es de día y están en Noruega. Deben haber pasado un par de meses navegando, comiendo hongos, flotando, celebrando con los dioses.
Están con el medio bajón, así que corren a la granja más cercana y le ofrecen honguitos mágicos al dueño de casa, a cambio de un buen asado.
Y mientras comen y ríen y brindan por Odín Alfaðer, dos vikingos se ponen de pie y van a buscar las guitarras, otro agarra el bajo, otro el teclado, otro se sienta frente a la batería y comienzan a tocar black metal psicodélico.


Sitio web
MySpace
Enslaved en Metal-Archives y AllMusic

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PJ Harvey - Rid Of Me (1993)

Terminan los comerciales. Cortina musical. Aplausos. El conductor del late show sostiene un cd en su mano izquierda y presenta a Polly Jean Harvey.
Tú estás sentado en ese sillón mullido y hediondo sin nada mejor que hacer que ver la tele. Esos fideos pegoteados te los hiciste tú mismo. Al menos no se quemaron. "Polly Jean", piensas. Típico nombre tiernucho de mina tiernucha. De esas con vestido de muselina, facciones delicadas y comportamiento virginal.
Cambio de cámara. Una flaca cejona y narigona con una guitarra que le queda grande. El vestido (¿será de muselina?) está. Las facciones delicadas no. La tipa es fea. Eructas.
Empieza a cantar. Tie yourself to me / no one else / no, you're not rid of me / hmm you're not rid of me. Como buen macho alfa te quedas prendado de esta proto-esclava arrepentida y suplicante. I beg you / my darling / don't leave me / I'm hurting. Te excitas pensando en una mujer así a tu lado, cocinándote fideos decentes, acariciándote la verga, situándote en el centro exacto de su universo.
Así deberían ser todas las mujeres del mundo, piensas mientras eructas de puro excitado.
Y se pone mejor. Lick my legs / I'm on fire / lick my legs / of desire. Tú quieres estar ahí, lamiendo piernas y entrepiernas. No las de esa flacucha fea, claro, sino las de una mina bien rica y bien caliente. Y bien sumisa.
No te das cuenta, pero estás pegado a la pantalla, babeando. Hipnotizado por lo que dice Polly Jean. Soñando, deseando.
Entonces Polly Jean deja de ser Polly Jean y se convierte en PJ Harvey y te mira directo a los ojos y te dice I'll make you lick my injuries / I'm gonna twist your head off, see?
Entonces te llega una patada directo a la cara que te rompe la nariz y te bota un par de dientes. Tu culo peludo cae sobre los fideos pegoteados y tu cabeza estalla contra el borde del sillón mientras PJ toca su guitarra como si te estuviese cortando el cuello.
Y ahí te quedas, cagado de miedo, escuchándola. Oh, you're not rid of me / no, you're not rid of me.
No, no te has librado de mí. Nunca te librarás de mí.


Web
AllMusic
Video über-maestro de PJ cantando Rid of Me sola con su guitarra frente a miles de hueones alucinados. Respect.

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Morphine - Cure for Pain (1993)

En el teatro clásico se consideraba de mal gusto —quiaristoteles dixit— quel público presenciara una muerten escena, por lo que, cada vez que a un personaje le tocaba morir, se lo llevaban por las buenas o a las rastras tras bambalinas, de donde se solía escuchar un Oh!, me han matado! —o en su defecto un ARRRRRRRRRRRRRRRRRGH!!!—, que daba a entender quel personaje tuvo una muerte —casi siempre— violenta —o al menos involuntaria—. Creo que fue Shakespearel primero en romper con la tradición y presentar una muerten escena. Un siglo más tarde, Molière innova con su sentido de la improvisación, al morirsél mismo en escena de manera no pauteda. Es como debe morir un vanguardista. Mark Sandman —el líder de Morphine— era un vanguardista. Con su bajo fretless en el que hacía combinaciones de cuerdas de guitarra con bajo —e incluso alguna vez con cuerdas de cello—, exploró los confines no violentos —mas espeluznantes— de la gravedad sonora, mientras un saxo barítono —que Bono no pensaría dos veces en tildar de sexy— compartel protagonismo de sus canciones con la voz de Sandman —cuyas letras las define muy bien él mismo: "Yo era más bien onírico cuando chico. La gente me solía decir que cuando fuera grande iba a ser poeta. Hay que ver qué tipo de niño tienes que ser para que alguien te diga eso"—. Mark Sandman murió de un paro cardiaco en Italia, 1999, en pleno concierto. La banda se separó inmediatamente.

Morphine en Wikipedia (En Inglés).
Mark Sandman en Wikipedia (En Inglés).
Video de Buena en Youtube.

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Van Morrison - Astral Weeks (1968)

(Aporte de Chris)

Si escuchas a Van Morrison caminando por la calle y estás solo y eres joven no puedes evitar sentirte observado por la cámara de Cameron Crowe. Más o menos así: el volumen de la voz sube al máximo mientras tu sonrisa matiza la disgresión vocálica que habla del traspaso glorioso desde la juventud a la madurez. Si no has visto Casi Famosos probablemente ni te des cuenta (aunque ahora te lo estoy diciendo, jajaja) de que Morrison camina sobre el delicado filo del cliché cool que sirve tan bien para narrar películas de adolescentes. Pero da lo mismo, porque el tipo es más inteligente que Cameron Crowe, que yo y que tú (ya lo verás). Se resiste a que lo encasillen escapándose de cualquier marco que se le trate de poner porque básicamente es un genio y un a visionario. Sí, el poeta parece venir saliendo de un período oscuro, recién ve la luz y canta después de meses de una estricta dieta de coca cola y cocaína. Esto no significa que Astral Weeks tenga himnos gloriosos o música para que los downers la escuchen mientras miran el techo pensando en viejos amores (a ti te hablo Haym, a tí tambien Hache.) Este disco es el personal favorite de Lester Bangs, otro genio que trató de encasillar Crowe en la película (y que también le queda corto, era obvio). Y como Lester también era (es) un genio, es más inteligente que tú, sabe más de música que tú y también tiene mejor gusto (vamos, reconócelo), habrá que creerle que éste es uno de los mejores discos que se han hecho. Y Punto.

Web sobre Van Morrison
Review de Lester Bangs sobre Astral Weeks (guest starring: García Lorca)

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The Antlers - In the Attic of the Universe (2007)

-Okay, we are in the attic. Now what?
-I don't know.
-You don't know.
-I don't know.
-Then why...?
-Look!
-What!?
-Look at that!
-Look at what? I don't see a thing.
-Look.
-I said...
-It's not there. You have to look.
-You're freaking me out.
-It's simple. Look.
-I'm out of here.
-Come here. Hold me. Look with me. You'll see it.
-See what?
-There. On the roof.
-On the...!?
-It's there! Don't tell me you don't see it.
-I don't. I don't see anything. And I just want to...
-Shh!
-What?
-Shh!
-Now I can't even...?
-Shh! Listen.
-To what?
-To it.
-To...?
-...
-...
-To me.
-Hmph. What do you want to say?
-The universe is going to catch you.
-WHAT!?
-The universe is going to catch you.
-Catch me? I'm not running away from it.
-It doesn't matter. It will catch you anyway.
-Okay. The universe is going to catch me. And then what?
-The carrying arms will cover you and you'll close your eyes and everything will be warm colors and warm sounds and warm food.
-Everything will be warm. I like that.
-And then you'll be in the snow.
-In the snow?
-Yes.
-Snow isn't warm.
-It'll be. It'll be warm.
-Warm snow. I really like that. We'll play in the snow without being cold.
-We won't play.
-We won't? Why?
-I won't be there.
-Why?
-I'll be upstairs. Climbing the stairs to the attic.
-And you won't come down to play with me?
-No. I'll go into the attic of the universe and never come back.
-That's sad.
-No. You'll be there too. You and me and the warm snow.


The Antlers
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The Avalanches - Since I Left You (2000)

MTV, 3:00 am, circa 2003. Se levanta un telón. Un maestro descuela discute con unama de casa la expulsión de su hijo del recinto educacional. Unabuela toca repentinamente la batería. Dos MCseniles rapean (—That boy needs therapy. —He needs psychosomatics.). Un coro de fantasmas. Una tortuga con cara de anciano. Dos vaqueros negros se baten a duelo. Un esqueleto DJ, contorsionistas, escritores, marineros, un cuarteto de cuerdas. Un mono toca una segunda batería. Una profesora interroga a unalumna (Can you think of anything that talks, other than a person?). La niña lo consulta con su amiga imaginaria (—Like a bird?. —Yeah.). La profesora responde (—Sometimes a parrot talks. Can you think of anything else? —A record?). Tras bambalinas, una decena de charrosalen desfilando con sus guitarrones y percusiones al son de El bayón de Ana —canción perteneciente a la banda sonora de Anna (1951)—. Cael telón.
El grupo se llama The Avalanches. El tema, Frontier Psychiatrist. Del videoclip al disco, pasaron tan solo un par de horas. Con el antecedente del videoclip, el primer tema es chocantemente distinto a lo que uno sespera. El segundo también. Y el tercero. Ya en el cuarto uno le va sacando el rollo al disco y, para cuando el disco llega al decimotercer tema —Frontier Psychiatrist—, todo calza perfectamente. El sonido del disco se podría definir —decho, lo hago— como house progresivo, pues contiene los componentes esenciales del house —un ritmo relajado con melodías funk suaves, y voces afrodiscosetenteras pasadas por un ligero delay—, con laparición de ciertos elementos foráneos que se van volviendo recurrentes a lo largo del disco, en un diálogo que le otorga cohesión comobra cerrada.
La banda, The Avalanches, la constituyen 6 DJs australianos —lo cual explica el buen gusto del disco. A un DJ se le debexigir como mínimo, que haya escuchado tanto como ha leído un literato, y estos tipos cumplen holgadamente con las exigencias—, y nació como unagrupación punk que compró sus instrumentos en un depósito de desperdicios —partieron tocando con una sampleadora, teclados, un bajo, una batería y un theremin, para luego pasar a tocar con tan solo 4 tornamesas, un set de percusiones, y una controladora MIDI—. Se podría decir —decho, lo hago— que su éxito fue inmediato, pues su quinta tocata fue teloneando a Jon Spencer. Después se fueron de gira con los Beastie Boys. Después con Public Enemy. Luego con Stereolab. Más rato, con Beck. Al final, pese a que ya sestaban aburriendo, se vieron obligados a salir con Jamiroquai. Después hubo inactividad. Se rumorea un segundo disco. Algo leí de que han abierto un bar en Melbourne con DJ sets, bailarines de Kenya, y percusiones de Guinea. La globalización. Ya saben.

Myspace de The Avalanches.
The Avalanches en Wikipedia (En Inglés).
Video de Frontier Psychiatrist en Youtube.
Anna (1951) en IMDb (En Inglés).

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Jimi Hendrix - Woke up this Morning and Found Myself Dead (1968)

Buscando por las oscuras calles del EMule u otros pueblos parecidos puedes encontrarte a Jimi Hendrix tocando con todo el mundo. Con Janis Joplin, con BB King, con Pink Floyd, con los Beatles, con Frank Sinatra, con Elvis, con Nixon, con Abba, con los Fabulosos Cadillacs y hasta con tu abuela.
Pero a veces es cierto.
8 de marzo del 68. New York. Scene Club.
Alrededor de las grabaciones del Electric Ladyland, Jimi realiza varias jam sessions privadas. Invita amigos para que toquen con él o para que lo vean tocar y floten. Porque ahí todos flotaban, era que no.
Esta debe ser la jam session más famosa de Hendrix. La banda, al menos, lo era: Johnny Winter como segunda guitarra, Randy Hobbs en el bajo y Randy Z. y Buddy Miles como bateros.
Hendrix parte con Red House y luego viene Wake Up This Morning And You Find Yourself Dead, que a través de un leve cambio humornegrístico le da título al disco.
Luego empieza a tocar Bleeding Heart. Y cuando va por la mitad de la canción, alguien del público invitado se levanta, alcanza el escenario como puede, agarra el micrófono y se pone a cantar.
¿Han visto borrachos subiéndose a cantar en un bar? Pobres hueones. A la mayoría les sacan cresta y media. A veces hasta les rompen botellas en la cabeza. Una vez vi un video de una banda de Seattle, un tipo intentaba subirse al escenario y el guitarrista le estampaba su instrumento en pleno craneo. El tipo caía inconsciente, con media cabeza ensangrentada y nadie se molestaba en recogerlo o sacarlo.
Pero aquí no hubo guitarrazos ni botellas ni golpes ni nada. Hubo un Jimi Hendrix que pidió que le pasaran un mejor micrófono al curado. El curado era Jim Morrison y se despacha un blues de la puta madre. A pesar de su casi nula capacidad de modular, su voz hace todo el trabajo necesario.
Luego viene una improvisación de Hendrix que pasó a la posteridad como Morrison's lament. Más que lamentarse, Morrison - que ya está como cebolla en escabeche - filosofa alrededor del concepto de fuck you in the ass. Después de un rato se calla. Supongo que queda tirado ahí mismo, mientras Hendrix sigue tocando. Qué postal.
Un par de temas más y se acaba la jam session. Probablemente dejaron a Morrison durmiendo ahí. Quizá después de tocar todos se hicieron mierda y se quedaron a dormir ahí. Y quizá alguno se despertó sólo para darse cuenta de que estaba muerto. Pero ese día, al menos, no les tocó ni a Jim ni a Jimi. Todavía no.

Como es un bootleg, este disco tiene mil doscientas cincuenta y tres portadas distintas. Debe haber gente dedicada a coleccionarlas todas. Nunca faltan. Yo les incluyo cuatro para que empiecen su colcección. Traten de juntarlas todas antes de despertarse muertos.


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p.d.- Gigasize y la puta que los parió.

Los Saicos - Los Saicos (1965)

La historia es la misma de siempre. Elvis mueve la pelvis como un negro y es tachado inmediatamente de inmoral. La música de Elvis llega a Latinoamérica. La muchachada Latinoamericana quiere mover la pelvis como Elvis, que la mueve como un negro. Elvis es acusado de pervertir a las juventudes y es condenado a tomar la cicuta. Blablabla. Fast Forward. La nueva ola. En cada país latinoamericano hubo una. La nueva ola no es tan solo un movimiento musical. Es un movimiento social. Quizás la primera de las tribus urbanas. Pandillas, escaramuzas, patos malos, minas ricas, twist & shout, chaquetas de cuero, pantalones vaqueros, y todo lo que implica ser un bakán. Sin embargo, en Perú, en 1965, ocurre algo más. Senciende una tele. Es la hora de un matinal de aquellos en los que suele haber música en vivo. Los invitados son una banda que le tuvo que quitar una D a su nombre para poder burlarse de la censura. Empieza a sonar una batería —idéntica a la de California über alles— y un bajo denso. Una guitarra desafinada golpea una y otra vez la misma nota. Y derrepente, el vocalista, sin siquiera tener la intención de cantar bien, grita: TATATATATATATA YAYAYAYAYA!!! ECHEMOS ABAJO LA ESTACIÓN DEL TREN!!! DEMOLER, DEMOLER LA ESTACIÓN DEL TREN!!! El televidente queda en estado de shock. Cualquiera que haya sido la noción de música que había tenido hasta ese momento, ha quedado por los suelos y difícilmente se podrá volver a levantar. Pues acaba de presenciar el milagro de Los Saicos: el punk antes del punk. Pero, como lamentablemente los milagros son efímeros e intrascendentes, la banda desapareció al par de años, sin razón aparente, escuela fundada, ni testimonio alguno más allá de 6 escasosingles, que se recopilaron en forma de disco. El resto son solo rumores.

Los Saicos en Wikipedia (En Español).

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Charles Manson - Lie: the Love & Terror Cult (1970)

Bob Marley tenía una visión radical del mundo. Esa visión de mundo lo llevó a la necesidad de tomar un papel activo en la lucha para cambiar el mundo. La convicción y lucidez con la que se refería a dicha necesidad fue tal, que no tardó en convencer a aquellos a su alrededor dello y nació un movimiento ideológico, que luego salió a predicar su mensaje al mundo. Charles Manson igual. Pero hay maneras y maneras dexplicar las weas.
En 1967, antes de salir a cambiar el mundo, Manson llegó a vivir a una comuna hippie en California, con la intención de ser un músico hippie. En esa comuna vivían, también, hippies como Dennis Wilson de los Beach Boys y Neil Young. Todos ellos luego negaron haber tenido trato cotidiano con él. Pero en esentonces les pareció interesante la música que hacía Manson, y lo ayudaron a grabar un disco, producido por el mismo Wilson. Sin embargo, para cuando el disco estuvo listo y estaban en la fase de buscar un sello que lo editara, ya habían pasado un par de años y Manson y su familia ya habían iniciado sus actividades, por lo que fue difícil conseguir que alguien editara el disco, porque al parecer a las compañías disqueras no les gusta publicar discos de asesinos en serie psicópatas, a menos que yayan sido arrestados y estén en un juicio y que todo el mundo esté pendiente del juicio y del asesino en serie psicópata del cual tenemos un demo en la bodega y entonces derrepente parece una idea rentable y por qué no publicamos el disco de Manson, y eso ocurrió finalmenten 1970, mientras Charles Manson era condenado a cadena perpetua y se convertía en el asesino en serie psicópata más famoso de todos los tiempos y, como somos buenas personas, todas las ganancias serán donadas a las familias de las víctimas de Manson, eso es, claro, las ganancias que no nos quedemos nosotros, porque la distribución de los discos es algo muy delicado, porquestán los derechos de autor y todo eso, pero como Manson es una mala persona, no va a ver ni un centavo de lo que ganemos vendiendo sus discos y, además, como es una mala persona, su música también es mala, y es totalmente desechable, opina el hijo de puta quescribió la reseña en allmusic.com, que no es capaz de mojarsel culo y reconocer que un asesino en serie psicópata pueda haber compuesto las canciones más deliciosamente perturbantes de todo el movimiento hippie.

Charles Manson en allmusic.com.
Charles Manson en Wikipedia (En Inglés).

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Porcupine Tree - Fear of a Blank Planet (2007)

En 1987, Steve Wilson y Malcom Stocks crearon Porcupine Tree. En realidad, la inventaron; supuestamente era una banda über-underground de rock progresivo, formada cuando sus integrantes se conocieron en un festival setentero, integrantes que contaban con interesantes periplos carcelarios. Todo esto nació del ocio de Wilson, que no tenía mucho más que hacer luego de montarse un estudio en su propia casa, a la tierna edad de 20 años (¡¿quién se arma un estudio a los veinte años?!). Así que decidió jugar con su invento grabando horas y horas de música del supuesto grupo.
Tiempo después - y seguramente aburrido -, decidió que algunas canciones valían la pena y mandó un demo a una revista que planeaba crear un sello discográfico.
Veinte años después, Porcupine Tree tiene 9 discos de estudio, fue catalogada en los 90s como los herederos directos de Pink Floyd - lo que provocó que Wilson buscara nuevos sonidos para alejar a los viudos del Dark Side of the Moon y no estancarse en la copia - se convirtió en un insólito puente entre bandas como King Crimson y otras más extremas como Opeth, y hay planes para hacer una película en base a la historia de su penúltimo disco, Deadwing.
O sea, básicamente Steve Wilson convirtió una broma ociosa en un monstruo. Un monstruo que suena monstruosamente bien.
Aquí les va el último disco de Porcupine Tree, recién salido del horno: Fear of a Blank Planet, donde Wilson se da el lujo de invitar a Alex Lifeson de Rush y a Robert Fripp de King Crimson para tocar un par de solos. Vaya lujos que se puede dar este tipo.
En todo caso: no tengáis miedo. Progressive rock this is not. Las canciones de Porcupine Tree son realmente simples; lo complejo son las texturas, los sonidos que meten en tus orejas. Esto es rock que pasa de la guitarra fogatera a un riff cuasi-metalero sin que uno se de cuenta y de una manera que sólo te permite sonreír. Rock del bueno.
En mi humilde opinión, el mejor disco en lo que va de 2007. No creo que llegue a ser superado en los meses que quedan.


Sitio oficial
Porcupine Tree en AllMusic
Video de Fear of a Blank Planet (ah, pendejos violentos, un cliché incombustible)

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Lydia Lunch - Queen of Siam (1979)

Lydia Lunch es la santa patrona del punk. Más bien la santa madre. No tan solo es perteneciente a la primera camada de punks existentes en el mundo, sinó que fue de aquellos questuvieron conscientes, desde un principio, de quel punk, dados los medios por los que se difundía, al plantearse contracultural, se planteaba, por sobre todo, en términos estéticos. Poeta, compositora, guionista, actriz, modelo... Lydia Lunch menseñó quel punk puede —más bien, debe— ser inteligente. Que no hay por qué aceptar la mentalidad facilista de hacer música barata, con letras miméticas de un discurso panfletario manoseado e inconsistente y un argumento neonaturalista —yo soy producto de mi entorno—. Queso es imitar la caricatura. Quel punk se trata de hacer lo que se te da la gana. Como se te da la gana. Quel punk es la esencia misma de la poiesis. Que hacer las cosas responsablemente no significa hacerlas en serio. Que, decho, el sentido del humor es el indicio más claro de la inteligenciajena.
En fin. Luego de una primera infancia penosa que la vio iniciada sexualmente a los 6 años en manos de su propio padre, Lydia Lunch (NY, 1959) se largó de casa a los 13 años, y a los 16 llegó a vivir a una comuna punk. Ese mismo año fundó, con James Chance —quien duró pocos meses en la banda, y que luego formó The Contortions—, Teenage Jesus & the Jerks, con quienes lideró un breve movimiento musical llamado No Wave. Al separarse la banda en 1979, Lydia Lunch saca su primer disco solista, ques el que aquí les presento. Si bien el sonido de Teenage Jesus es radicalmente sucio y apela a una indigestión auditivautomática, en este disco Lydia Lunch experimenta con losonidos del burlesque y del funk, así como con un sentido del humor juguetón que, con unos toques de oscuridad, le dan al disco una estética mucho más tenebrosa y erótica que agresiva.

Página Oficial
Myspace de Lydia Lunch.
Lydia Lunch en Wikipedia (En Inglés).

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Amorphis - Am Universum (2001)

De este disco puedo decir que es uno de los pocos que me gusta escuchar mirando los efectos visuales del reproductor de audio. La mayoría de las veces me da la impresión de que las imágenes que veo y los sonidos que escucho no tienen nada que ver (las imágenes son representaciones gráficas de las ondas de sonido del archivo de audio, así que más relacionadas no pueden estar. Asumo entonces que tengo serios problemas de coordinación cerebral). En este caso me pasa todo lo contrario, música y líneas y ondas y rayos se hacen un solo túnel perceptivo y salgo volando a través de él.
De este disco puedo decir que las letras de Pasi Koskinen - que olvidé poner en el archivo, pero pueden leerse aquí - no son para salir corriendo en estado de enajenación poética, pero su voz acompaña bastante bien la atmósfera creada por el sonido limpio pero bastante espeso de las guitarras de Holopainen y Koivusaari, y los teclados de Kallio. Al igual que en su predecesor (Tuonela), en Am Universum no se usó la mitología finlandesa para crear las letras - como en todos los demás discos -, que giran alrededor de una soledad más bien buscada que sufrida y algo bipolar.
De este disco puedo decir que nunca antes pensé que un saxo encajaría tan bien en un banda de metal (aunque a estas alturas Amorphis ya era bastante más rock que metal o, como lo llaman en MetalArchives, 'melodic metal').
De este disco puedo decir - y quizá sea más importante que todo lo que ya dije - que antes de escucharlo completo encontré el primer track (Alone) en Rockaxis y fue la única canción que escuché durante más de un mes, al menos diez o doce veces al día. Y hasta el día de hoy no me aburro de escuchar esa canción, y me sigue gustando, y sigo encontrando cosas nuevas en ella de vez en cuando. Por eso, más que por cualquier otra cosa, hablo de este disco, aunque sospecho que a nadie le va a provocar algo semejante.

Página oficial
MySpace
Amorphis en MetalArchives y en AllMusic
Video de Alone powered by YouTube Shitty Quality®

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Karlheinz Stockhausen - Helikopter Streichquartett von Mittwoch aus Licht (1995)

En 1991 se lencargó a Stockhausen la composición de un cuarteto de cuerdas. Stockhausen respondió: ya, pero vamos a necesitar cuatro helicópteros. 4 años después, sestrenó la pieza, y en el medio del escenario estaban los cuatro músicos, cada uno montado en un helicóptero. Los motores sencienden, y los músicos comienzan a tocar suspendidos en el aire. El resultado: las notas —fugitivas de la melodía— escapan directamente hacia la trampa que se les ha tendido en las aspas cercenantes —cuyos cortes funcionan a la vez como flagelos y como barrotes— mientras los músicos —de vez en cuando— cantan alegremente números en alemán. Es un espectáculo que invital espectador a ser el cómplice sádico del encierro y tortura de las notas.
El cuarteto de cuerdas para helicóptero corresponde al Mittwoch (miércoles) de la heptalogía Licht (Luz), en la que cada una de sus partes lleva por nombre un día de la semana, entre otrosimbolismos. Actualmente, Stockhausen estáfinando los detalles finales del último día, el cual claramente no es Sonntag (domingo) pues, de ser así, estaría descansando, no es cierto?

Stockhausen en Wikipedia (En Inglés).

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